Agenda Magenta

Agenda Magenta se define como una plataforma de proyectos independientes y agenda cultural del centro de Madrid. Es un proyecto cuya filosofía es hacer desarrollo de cultura de otra forma, fuera del ámbito de las grandes instituciones, fuera de los círculos de subvenciones públicas y organismos oficiales. Se trata de una plataforma de apoyo para el fortalecimiento del sector y el impulso de ciertas formas de hacer cultura más independientes. Como agenda que es, su punto de arranque es la difusión de las actividades, eventos, talleres pero su intención esencial es impulsar tanto a creadores independientes como a pequeños espacios multiculturales de forma que su trabajo sea más conocido y sostenible, en cuanto a cantidad y calidad.

Agenda Magenta (Talleres / Eventos) 

En la agenda magenta se difunde la programación de unos espacios multiculturales asociados a ella, del distrito centro de Madrid, poniendo en contacto a artistas creadores con espacios y divulgando las actividades de éstos. Se trata de una labor de mediación fundamental que tiene que ver con la idea de desarrollar propuestas con una dinámica de trabajo que ayude a crecer -en todos los sentidos- a unos y otros. Por ello, cuando el tiempo y las manos lo permiten, se hacen reseñas de las actividades, entrevistas-dossiers a los artistas/espacios y una implicación y propuestas en la producción de las actividades.

María Salas
 (Foto by SandwichMixto)

La agenda busca otra forma de hacer cultura sostenible dentro de una gran ciudad como Madrid y aunque está totalmente a favor del procomún y la filosofía sobre la que se fundamenta el proyecto participa plenamente de ese concepto, apuesta por colaborar con modelos de pequeños espacios culturales locales cuyas dinámicas tratan también de ser eficientes. María Salas, alma mater del proyecto, lleva ya más de año y medio en ese empeño con gran trabajo y tesón, con presupuesto muy, muy bajo y con patrocinio basado prácticamente en el trueque. Su esfuerzo, desde el centro de coworking LANAU Espacio Creativo, está dando sus frutos dando a conocer a una serie de espacios y actividades de gran interés artístico y cultural para la ciudad, que de otra forma quedarían excluidos y casi marginados por estar fuera de los círculos oficiales.

Es loable la labor ingente que se está haciendo por sacar adelante este proyecto (como otros muchos de los que hemos hablado en este blog). Se necesitan manos y apoyo y creo que es responsabilidad de todos los que nos adentramos en el mundo de la gestión cultural y que estudiamos para ello, el apoyar y aprender de este tipo de iniciativas.

Agenda Magenta desde LANAU Espacio Creativo (Foto by María Salas)

Y para que todo esto no caiga en el pragmatismo vacío de la teoría (o sea, en saco roto), desde la semana que viene, como prácticas MGC UC3M, estaré colaborando con agenda magenta durante unos meses.

Sobre industrias creativas y culturales - AEC2013

Cuando uno estudia gestión cultural siempre topa con las sutiles preguntas de su entorno: "Entonces, cuándo termines... ¿a qué te vas a dedicar?" Es una legítima cuestión pero la respuesta no es unívoca ni tampoco necesaria en el corto plazo. El mundo de la gestión cultural es un crisol de puertas (no todas ellas abiertas ;-) pero con una parte de ellas aún por descubrir. Conviene conocerlas todas o al menos comprender las variedades. Inicialmente, lo primero que se le viene a uno a la cabeza son instituciones grandes y consolidadas (grandes museos (tipo Reina Sofía), organismos culturales (tipo Instituto Cervantes), entidades de gestión privadas (tipo Círculo de Bellas Artes, Fundación Juan March) ó publicas (Concejalías de Cultura, Ateneo,...), etcétera.

Por otro lado, nos encontramos otras posibilidades en las llamadas "Industrias Creativas y Culturales" cuya definición ha estado bailando desde 1997 por falta de acuerdo en la literatura académica y en los organismos oficiales (Unesco, Comisión Europea,...) La definición más actual (2012) se podría resumir en el conjunto de empresas que crean, producen, distribuyen, difunden-quién o difunden-medio las actividades de artes visuales, artes escénicas, patrimonio, cine y vídeo, televisión y radio, videojuegos, música, libros y prensa. Curiosidad: en 2009 se excluyó de la definición oficial las partidas correspondientes a turismo, deporte, parques temáticos y la animación sociocultural, aún cuando eran fuentes de ingresos importantes en la faceta de gestión cultural.

Leyendo el reciente informe del Anuario de Estadísticas Culturales 2013 que saca cada año el ministerio de Cultura, podemos hacernos una idea de por dónde van los tiros de dichas industrias creativas y culturales en España además de los gustos y hábitos de la gente a la hora de acercarse a la cultura.

Evolución del empleo cultural (en miles) en España  (Fuente: MCU)

Distribución del empleo cultural

Respecto a los hábitos, el informe muestra las gráficas de hábitos culturales de los españoles, volviendo a predominar en 2012 la lectura de libros, el cine y la visita a monumentos. El informe además es interesante porque da una visión (del año anterior) sobre las estadísticas de empleo y la distribución en los diversos ámbitos culturales (patrimonio, museos, archivos, bibliotecas, libros, artes escénicas, música, cine, vídeo).. incluso este año aparecen estadísticas del siempre polémico asunto taurino. 

Empresas culturales en determinadas actividades de la industria, España, 2012.

Además, la sección sobre Cuenta Satélite de la Cultura en España (CSCE) nos da una idea del impacto global de la cultura en su relación con el PIB. En el 2011, por ejemplo, el sector cultural suponía el 2.7% del PIB (el 3.5% considerando los ingresos por Propiedad Intelectual)

Distribución de las aportaciones al porcentaje del PIB en cultura (2.7 % en 2011)

Se puede ver también un interesante análisis del informe AEC2013 en Latitudes, curatorial office y quién quiera leerlo entero lo puede coger directamente del ministerio de Educación, Cultura y Deporte. También lo dejo accesible en el menú de la derecha, De Interés, de este blog.

Los contactos, esa musa que todo lo puede

Poco a poco va llegando el final del año e irremediablemente uno hace análisis retrospectivo. En mi caso, en los últimos 6 meses he conocido a más gente que en los últimos 4 años. Y también resuena, como un tantra profundo y evocador, la idea de que en gestión cultural, como casi todo en la vida, los contactos son el todo. Muchos importantes gestores (Alfons Martinell, Enric M-Catignani, Enrique Villalba, Javier Lanza, Javier Celaya,...) nos lo han ido repitiendo convenientemente y es que....es así. Debemos entender que no se trata de enchufismo ni de amiguismo, simplemente se basa en tener una red de contactos que serán la base de tu vida y de tu profesión. Como decía Alfons "Un gestor cultural es su agenda".

Pero bueno, no me quiero ir por las ramas. Ya que estamos casi en las puertas de la Navidad, pretendía hacer un post de agradecimiento a todos mis nuevos contactos que han pasado a ser amigos y me ayudan a este nuevo caminar de vida que, como indica el título de este blog, sólo tiene 5 meses de andadura. Desde aquellos que están en el espacio digital y aún no nos hemos desvirtualizado como se merece (Cristina Riera, Rosa Sebastià, Laura Via_di_Uscita, Sara Sabope, Ana Pérez García, Rodrigo Burgos, todos mis Artecustodios & Plataformas, y un largo etcétera), los que me apoyan desde la cercanía (Beatriz (mi base), mi familia y amigos (aunque lo vean raro), José Manuel, Maite Seco, Berta Delgado y su espectacular LRMperformance, La Esporádica, La Trova,...), los que luchan cada día por crear proyectos e iniciativas culturales (María de Agenda Magenta, Patricia Almeida, BlablabaMuseos, Nuria VeoArte, La Exposición Expandida, etc) hasta todos los profesores y ponentes del máster de gestión cultural UC3M que han pasado en este trimestre con muy diversas materias (difícil de nombrar a todos en pocas líneas aunque sí me gustaría mencionar a Enric M-Catignani, Alfons Martinell, Enrique Villalba, Daniel Oliva, Teresa Rodríguez de las H, Mercedes Morales y Almudena Grandes por su especial regustillo interior hacia la gestión que me han provocado) y finalizando ¡como no! en mis 41 compañeros de clase tan majos con los que he compartido todas las tardes de los últimos meses.

Bueno, sé que me olvida mucha gente en este post y que seguramente al leerlo más veces los iré evocando pero, sea como sea, os deseo a TODOS que paséis unos felices días navideños y os envío, de corazón, muchas gracias por ser parte de mi camino.

Cómo transformar un recurso cultural en un producto cultural

Cuando viajas por muchos pueblos de Castilla y León (que es lo que más conozco) te encuentras con sitios preciosos, parajes estupendos y monumentos con un valor histórico y artístisico espectacular. Sin embargo cuando quieres entrar en ellos, te encuentras puertas cerradas, papeles en la puerta con horarios imposibles y en el mejor de los casos te dicen que preguntes en el bar puesto que la cuñada de la hermana del alcalde tiene la llave. Es un mal recurrente en muchos puntos de España. Como bien dice Mercedes Morales, en España tenemos muchos recursos culturales pero no sabemos transformarlos en productos culturales. Y es por ello que como gestores tenemos casi la obligación de valorar y poner a disposición de la gente los recursos y modos culturales que subyacen en nuestro territorio.

A pesar de que Jordi Pardo, sin faltarle razón, diga que "hasta ahora se ha gestionado la oferta, pero es necesario gestionar la demanda, que ahí está la oportunidad y el reto", personalmente siento que aún nos queda mucho camino para gestionar bien el ofrecimiento de la oferta. De hecho, el concepto de economía creativa (que aglutina a la cultura, la gestión y la tecnología) supone el reto de aplicar creatividad en los recursos existentes con 3 motivaciones principales:

• Hacer que propios y ajenos puedan disfrutar de los valores culturales de la zona, ofreciendo una experiencia cultural gratificante.
• Hacer prosperar económicamente la zona para mejorar la vida de los que allí viven.
• Preservar la memoria de la historia y de lo autóctono para transferir su conocimiento a las generaciones actuales y futuras en el modo en el que ahora lo hacen.

El reto es grande. Además, la experiencia de Jordi nos advierte que a parte de la idea (20%) y del plan (30%), el mayor peso del proyecto recae en el factor de con quién lo haces (50%). En unos casos habrá que tirar de instituciones públicas, en otros de asociaciones pequeñas, en otras en empresas privadas o en un mix de ellas, pero dado que hoy en día hay poco dinero para todo, las aportaciones y patrocinios se pueden hacer en especies (como gusta decir a Enric Martínez-Castignani) es decir por colaboración y cooperación de trabajos en pro de un proyecto común, donde todos salgan beneficiados. Las empresas, las marcas, están dispuestas a ayudar no sólo aportando dinero (patrocinio clásico, implicados en el proyecto ¿verdad Eduardo Lazcano?) sino a través de lo que mejor saben hacer (y que menos les cuesta hacerlo): su propio producto. Nos contaba Mercedes Morales que incluso en instituciones públicas, una marca (por ejemplo, Endesa) aportaba la infraestructura de luz durante 3 meses a una exposición a cambio de estar en unos carteles o en el catálogo ó la expeciencia de Enric cuando pidió a una marca de cava que ofreciese una copita a la salida de un teatro mejorando la experiencia cultural del espectador, sin necesidad de recurrir a dinero.

(Dibujo by Agintzari)

Son tiempos difíciles, donde a nivel institucional los procesos públicos de concurrencia de proyectos son largos y tediosos y donde ni siquiera la Ley de Mecenazgo sale adelante, así que con un poco de intención e imaginación y sobre todo de colaboración (unión de fuerzas) podemos transformar muchos de los maravillosos recursos locales en productos culturales sin tener que pensar en subvenciones o  patrocinios monetarios. Personalmente creo que el éxito para ello actualmente radica en una buena gestión organizativa, en una buena comunicación/divulgación y en el patrocinio en especie.

Visitando #expoMR Domingos Sequeira - M. Romanticismo

Uno de los placeres (o maleficios) de un protogestor cultural cuando visita una exposición es que a parte de fijarse en la obra que se expone se interesa en los detalles que han hecho posible que esa exposición llegue al público y cómo está mostrada la obra. A fin de cuentas, un gestor cultural es un canal de comunicación entre el público y la obra/artista.

Visitando la recoleta y delicada exposición temporal del portugués Domingos Sequeira (1768-1837) que durante estos meses estará en el Museo del Romanticismo uno descubre el por qué de la calidad de dicha exposición, al margen de la magistral obra de D.Sequeira proveniente del Museo de Lisboa y trasladada aquí con Garantía del Estado.

El rótulo de entrada y la tipografía de todos los carteles y leyendas siguen una gráfica de gran calidad, con sheriff, una derivación de la clásica Basquerville pero buscando una mayor legibilidad. Según me dijo el propio museo a través de Instagram se usa la tipografía Trajan Pro y Hoefler Text porque estéticamente se ajusta además a la línea gráfica del museo. Además el color de las cartelas de leyenda de los cuadros coincide exactamente con el color gris de la pared, dando información bien legible pero siendo mimetizada para resaltar a lo verdaderamente importante: los cuadros.

A la entrada, además de un pequeño folleto de los actos y eventos conmemorativos de la relación España- Portugal y de la hoja de sala (que se puede descargar en .pdf), un cartelito nos indica que nos podemos bajar también al móvil una lista Spotify de músicas de la época para ir escuchando mientras vemos la exposición y así tener una experiencia global más intensa.

Y es que el Museo del Romanticismo, uno de los que mejor usan las redes sociales, ha ideado además a través de su hashtag #expoMR contarnos cómo se ha ido confeccionando la instalación de la exposición para que al ir a verla en la realidad apreciemos más aún el resultado.

La estancia de las exposición temporal del Museo del Romanticismo es relativamente pequeña, pero saben aprovechar muy bien el espacio para dar cabida de una forma cómoda al conjunto y con la distribución de paneles en el centro de la sala para indicarte el recorrido de la exposición de forma natural.

El SanctaSantorum de la exposición es el que alberga el cuadro más grande (ver la primera imagen de este post) y para acceder a él hay un pequeño escalón del que se quejan las personas mayores pero que en esta ocasión está muy bien iluminado y delicadamente señalizado por unos LEDs por debajo del mismo. Además tanto los paneles como el fondo están empapelados con una trama de candelabros, que resulta ser un detalle dibujado en una vajilla que aparece en uno de los cuadros de la exposición ;-)

También es destacable el punto al que están mirando ahora las señoras de la foto. Se trata de un cuadro digital (con un marco decorado al uso) que contiene otras obras de Domingo Sequeira que no se han podido traer a la exposición por las limitaciones del espacio de la sala. De esta forma, entre lo offline y lo online, podemos conocer toda la obra del autor. ¡Gran idea!

Por último, un curioso detalle de aprovechamiento casi imperceptible de la lámpara del centro que sirve de apoyo y conexión luminosa (cable) con uno de los paneles centrales. Una curiosidad de sutil conexión ideada por CuatroParedes.com, la empesa encarga del diseño de la exposición (según me explicó el propio Museo a través de twitter)

En fin, una cuidada exposición, llena de delicados detalles que no os podéis perder. Es gratuita y permanecerá abierta hasta el 2 de Febrero 2014.

Analizando la gráfica del Festival ALCINE

El Festival ALCINE de Alcalá de Henares(Madrid) es uno de los festivales de cortometrajes con más solera de toda España (ya va por la 43 edición). Este año, me he fijado más si cabe en la gráfica utilizada sobre todos los documentos que sacan al público. Veamos un pequeño análisis.

LogoMarca genérico de ALCINE

LogoMarca de ALCINE - 43 Edición

El logotipo de ALCINE siempre ha sido compuesto por las flechas señalizadoras sobre un suelo horizontal con la palabra "ALCINE" (juego de palabra de preposición "al" y prefijo de "Alcalá de Henares") con tipografía Palo Seco (derivada de la Helvética) para ganar en claridad. En esta 43 edición, la particularización radica en ese  "3" del anagrama textual más subido para encajar en texto "GRAN CINE PEQUEÑO" en el negativo de una tipografía decorativa.

La foto del cartel básico sigue esa misma idea en alusión al pequeño gran cine con la logomarca en el cuadrante superior izquierdo, que es el más ligero, para lograr un equilibrio en pesos.

Cartel/postal principal de ALCINE 43

En la sala de prensa, una gran cantidad de folletos (mezclados con información turística de la ciudad) nos hacen vislumbrar cantidad de diseños. Uno de los folleteos sobre "Alcalá Cultura" que  el Ayuntamiento ha aprovechado para dar información cultural general sobre este fin de semana, está muy bien diseñado a nivel ergonómico (cuadrado, del tamaño de un bolígrafo) pero en la portada han desajustado el diseño ALCINE al incorporar un logotipo en rojo que desequilibra la proporción (tanto en posición como en colores).

Folletos y dípticos en la sala de prensa 

Folleto de "alcalá cultura" usando el cartel oficial de ALCINE 43 - mal equilibrado

Por las calles y plazas, banderolas y carteleras anunciaban en el mismo estilo, el festival.

Cartelera sobre una farola en Plaza de Cervantes

Fachada del Teatro Cine Cervantes - ALCINE 43

Por último, sólo cabe señalar que muchos otros diseños (interior de los programas de mano, papeleta de votación o el carnet de jurado del público) siguen una línea limpia y sencilla, basada en la claridad y simplicidad de los colores, tipografía de palo seco helvética y un ordenamiento equilibrado.

Interior del programa de mano con la programación el día

Papeleta de votación - Certamen Nacional

Carnet de Jurado de Público

El diseño o es útil o no es diseño

Uno de los ámbitos en los que el gestor cultural se va a encontrar y debe saber resolver en su faceta organizativa es el diseño gráfico. Entiendo que no se trata de tener un conocimiento exhaustivo del tema o ser experto en una herramienta, pero sí debe tener unas nociones básicas, unas ideas asentadas sobre todo para saber cómo pedir las cosas al diseñador profesional que será el encargado de hacer la línea gráfica de una actividad. La línea gráfica no sólo consiste en el logoMarca (logotipo + anagrama), sino en todo el grafismo que rodea a una actividad o evento (programas de mano, señalética, carteles, paneles, decoración del edificio, carpetas, merchandising, etc) 

Diseños de portadas de discos de Daniel Gil

Nos contaba Emilio Torné que el diseño no consiste en poner "cosas" por encima de otras cosas que no nos gusten. No se trata de decorar ni de creatividad colorista, sino de todo lo contrario. "El jardín está acabado cuando no queda nada que quitar". El diseño tiene sobre todo una función que cumplir y un mensaje de comunicar y los niveles funcionales que deben regir el diseño llevan este orden jerárquico:

1. Funcionalidad
2. Fiabilidad
3. Facilidad de uso
4. Creatividad, originalidad

El reto del diseño gráfico, por tanto, es comunicar con originalidad sin pérdida de la funcionalidad en un mundo que ya está lleno de símbolos. Todo tiene que ir ligado a un sentimiento práctico y usable de las cosas, porque el diseño en cultura no es un fin en sí mismo sino que es un medio (de comunicación).

Algunos otros consejos y temas que se deben conocer:

• Todo son proporciones. Las reglas y las medidas no sirven. Lo importante es la proporción entre las cosas.
• Importancia de la ergonomía de los objetos que se hacen, para preguntarse por su tamaño, dónde se va a poner, dónde se va a leer, quién lo va a usar, condiciones de luz, etc.
• A nosotros nos interesa lo que se ve. Los diseños deben ser "limpios" no queremos interferencias gráficas que introduzcan ruido en el mensaje.
• Conviene conocer el código de colores: Los cálidos, acercan y pesan más; los fríos alejan y son más ligeros. Los colores cercanos en la escala crómática chirrían, es mejor usar el mismo Pantone con sus gradaciones con blanco y negro.
• Conocer las tipografías, al menos los 9 modos canónicos, para que en la composición se tenga una jerarquía (conforme a tipografías, posición, color) además de las reglas de composición y maquetación.

Las 9 tipografías canónicas en edición

• Composición y sintaxis de imagen visual, teniendo siempre presente la regla de los 2/3, la relación de pesos (el margen superior izquierdo es lo más ligero / margen inferior derecho es lo más pesado) y la simetría (tanto en equilibrio centrado o no centrado, con mayor interés)

Y además de todo ello, tener una "cultura y espíritu de diseño" conociendo y examinando la obra de los grandes y pioneros : Jordi Fornas, Daniel Gil, Manolo Prieto, Julian Santamaría, Emilio Gil, etc.